Uno de sus integrantes, Steve Hughes, comenta:
“En este nuevo álbum, la banda parte de los cimientos establecidos en sus dos primeros trabajos, pero esta vez desarrolla paisajes sonoros más complejos y aborda temáticas más oscuras. Nuestro objetivo siempre ha sido evitar repetirnos, explorar nuevas posibilidades y llevar nuestro sonido hacia otras direcciones. Estamos satisfechos con los resultados y esperamos que los demás también disfruten de lo que hemos creado”. Por su parte, Jonathan Kinsey explica:
“Scars presenta un concepto abierto que gira en torno a las emociones humanas. Esta es mi interpretación del significado que se esconde detrás de cada una de las canciones”.

Los cinco temas del álbum y sus respectivas ideas centrales son los siguientes:
1. "Insomniac" (10:08)
Aborda la frustración de no poder dormir, una experiencia que prácticamente todos hemos atravesado alguna vez. Ya sea por un cuadro persistente de insomnio o por períodos ocasionales de dificultades para conciliar el sueño, la composición refleja el estrés y el desgaste emocional que esta situación puede provocar.

2. "Sown Seeds" (6:14)
Explora principalmente la lujuria y la codicia, aunque desde una perspectiva bastante particular: la historia está narrada desde el punto de vista de una abeja.

3. "Praying to False Gods" (12:09)
Reflexiona sobre el paso del tiempo y la dificultad de adaptarse a los constantes avances tecnológicos, las redes sociales y el ritmo acelerado de una sociedad que parece funcionar las veinticuatro horas del día. Todo ello despierta cierta nostalgia por épocas más sencillas y menos exigentes.

4. "Over the Garden Wall" (7:06)
Una composición sobre el amor y la gratitud, que explora la manera en que los recuerdos aparecen espontáneamente mientras realizamos actividades cotidianas que requieren poca concentración. Esos momentos permiten que la memoria y las emociones afloren de manera inesperada.

5. "Scars" (14:31)
La extensa pieza que da título al álbum aborda una ruptura familiar desde la perspectiva de un niño que presencia los acontecimientos sin ser víctima directa de abusos. La primera mitad se concentra en el trauma emocional que deja esa experiencia, mientras que la segunda reflexiona sobre las decisiones que surgen a partir de ella: aprender de lo vivido y seguir adelante, o permanecer atrapado en los mismos patrones de comportamiento.

Tribe3 se formó en abril de 2023 en Bridgend, Gales del Sur, a partir de la unión de tres músicos con aproximadamente treinta años de experiencia en distintos proyectos vinculados al rock progresivo. Musicalmente, el grupo se inscribe dentro del rock progresivo melódico y el neo-progresivo británico, con especial protagonismo de los teclados, extensos desarrollos instrumentales, guitarras expresivas y composiciones que equilibran complejidad y accesibilidad.

Sus integrantes son Jonathan Kinsey: voz, batería y teclados; Chris Jones: guitarras y Steve Hughes: bajo, teclados y pedales de bajo.

Web oficial de Tribe3 - White Knight Bandcamp - Tribe3 Bandcamp

teven Wilson acaba de lanzar "A Basket of Bees", el nuevo adelanto de Requiem for a Village, su noveno álbum solista, que sale el 6 de noviembre de 2026 por Fiction Records. El single apareció el 26 de octubre, acompañado por un video de las "Village Hall Sessions", con Randy McStine, Russell Holzman y Shelby Logan Warne como invitada en coros. El tema que da nombre al álbum ya se había estrenado el 11 de septiembre, seguido por "On Chapel Slope" el 2 de octubre.

Requiem for a Village trata sobre una aldea británica imaginaria, situada fuera del tiempo, donde conviven la vida cotidiana, las viejas creencias y una inquietante sensación de misterio. Wilson la utiliza para explorar las pérdidas, la memoria y la desaparición de un mundo, con referencias al paisaje rural y al terror sobrenatural inglés. La presentación oficial lo describe como una película para los oídos, con narraciones escritas por Andy Partridge (el genio detrás de XTC) e interpretadas por David Tennant.

Habrá ediciónes en CD, Blu-ray y doble vinilo de distribución general.

Pueden oír el tema en nuestro playlist de Discover.
El videoclip ofcial está disponible en este link.

Ver "On Chapel Slope"
Ver "Requiem for a Village"

na de las cajas más importantes del año para los coleccionistas de rock progresivo y jazz-rock será lanzada en pocos días. Soft Machine repasa su período de transformación musical con Slightly All The Time: Recordings 1970–1974. La edición, preparada por Sony Music, reúne 14 CDs y 3 Blu-rays, diecisiete discos en total. Es una revisión muy completa de la etapa en que Soft Machine pasó del rock psicodélico y experimental a una propuesta instrumental influida por el jazz eléctrico de Miles Davis.

La caja contiene los cinco álbumes publicados originalmente por CBS entre 1970 y 1973: Third, Fourth, Fifth, Six y Seven, remasterizados a partir de las cintas originales. Pero lo más interesante es el material adicional.

Parte de ello es lo siguiente:
- Una versión alternativa, hasta ahora inédita, de las grabaciones de Fifth.
- Las sesiones conservadas de la BBC entre 1970 y 1974, incluyendo material no publicado anteriormente.
- Conciertos del Royal Albert Hall de 1970, Bremen de 1971 y Montreux de 1974.
- Más de seis horas de material audiovisual procedente de archivos televisivos europeos.
- Un libro de tapa dura con fotografías poco conocidas y notas de Sid Smith.

Uno de los mayores atractivos de esta monumental edición es la recuperación de una versión completamente diferente e inédita de las sesiones de Fifth, además de las grabaciones conservadas de la BBC, presentadas por primera vez en sus interpretaciones completas. Los conciertos del Royal Albert Hall de 1970, Bremen de 1971 y Montreux de 1974 permiten recorrer diferentes formaciones y descubrir el desarrollo de una música que nunca permanecía estática. Especialmente reveladora resulta la actuación de Montreux, con Allan Holdsworth en guitarra, anticipando el sonido que desembocaría en Bundles. A esto se suman tres Blu-rays con más de seis horas de actuaciones televisivas históricas, muchas de ellas inéditas comercialmente, procedentes de archivos europeos.

Más que una recopilación, Slightly All The Time constituye una verdadera reconstrucción histórica de uno de los períodos más innovadores de la música británica. Sus 14 CDs y 3 Blu-rays, acompañados por un libro de tapa dura con fotografías poco conocidas y extensas notas de Sid Smith, ofrecen una oportunidad excepcional para comprender cómo Soft Machine fue construyendo su identidad entre el rock experimental, la escuela de Canterbury y el jazz de vanguardia.
Los Blu-rays incorporan actuaciones televisivas realizadas en Francia, Bélgica y Alemania, incluyendo material del programa Beat Club. La presentación es de gran formato, con caja de aproximadamente 30 × 30 centímetros y libro ilustrado

Una edición especialmente atractiva para seguidores de King Crimson, Nucleus, Henry Cow y el jazz-rock europeo de los años setenta, pero también para quienes deseen descubrir una de las aventuras musicales más audaces de aquella década.

l próximo 27 de noviembre tendremos una nueva oportunidad de reencontrarnos con el extraordinario universo de Gentle Giant, esta vez desde uno de los lugares donde su música adquiría una dimensión especial: el escenario. Front Row Center (US Dates 1975–1980), editado por Madfish, reunirá ocho CDs con alrededor de ocho horas de grabaciones de sus actuaciones en Estados Unidos, un recorrido por la precisión, la imaginación y la energía de una banda irrepetible.

La colección incluirá el concierto completo Live At The Bicentennial, las sesiones de Capitol Studios de 1975 y registros de distintas etapas de sus giras estadounidenses, hasta llegar a una actuación de su último año de actividad. La edición se completa con un libro de tapa dura de 60 páginas, con un nuevo ensayo de Alan Kinsman basado en extensas entrevistas con los músicos, además de fotografías poco conocidas y material de archivo.




A lo largo de los años circularon innumerables ediciones no oficiales de sus conciertos, con resultados sonoros muy desparejos. Para esta colección, Peter J. Reynolds trabajó en la masterización a partir de las mejores fuentes disponibles, recuperando registros que permiten volver a descubrir esa faceta del grupo.

El lanzamiento se suma a la valiosa recuperación de su catálogo y sus archivos. Para quienes nunca pudimos ver a Gentle Giant en concierto, estas grabaciones ofrecen algo especialmente tentador: acercarnos a la experiencia de una banda cuya historia terminó en 1980, pero cuya música sigue revelando detalles y provocando asombro.

Ver el tráiler del lanzamiento

Contenido De La Edición
CDs 1 y 2: Hempstead, Nueva York — Calderone Concert Hall, Live At The Bicentennial — 13/07/1976.
CDs 3 y 4: Hempstead, Nueva York — Calderone Concert Hall — 16/11/1977.
CD 5: Chester, Pensilvania — Widener College — 18/11/1977.
CD 6: Atlanta, Georgia — The Agora Ballroom — 29/05/1980.
CD 7: Los Ángeles, California — The Capitol Tapes — febrero de 1975.
CD 8: New Paltz, Nueva York — NY State University — 06/11/1977.

l pasado viernes 2 de octubre el mundo de la música argentina perdió a uno de sus artistas más admirados, queridos y respetados, responsable de algunos de los hitos más importantes de la historia del rock argentino.

Ricard Soulé nació en Quilmes el 15 de marzo de 1950, y fue compositor, cantante, armonicista, guitarrista y violinista de Vox Dei, iniciando su carrera junto a Willy Quiroga, Rubén Basoalto y Juan Carlos Godoy, desde su debut con Caliente (1970), y creando una obra monumental con La Biblia en 1971.  Hacia 1974 se fue del grupo por diferencias creativas y el rumbo artístico de la banda, regresando luego de vivir un tiempo en Inglaterra para el disco Gata de Noche, de 1978.



Su carrera solista comenzó en 1977 con Vuelta a Casa, editando en 1982 Romances De Gesta, obra fundamentales de su trabajo personal. Posteriormente crearía la banda La Bestia Emplumada, lanzando el muy bien recibido Buddy Middler en 2008, Dolmen en 2011 y Vulgata en 2015, alternando su discografía solista con eventuales reuniones con Vox Dei.

En varios momentos de su carrera en este siglo, Soulé colaboraría estrechamente con miembros de Nexus y participando en grabaciones del excelente grupo progresivo argentino. La relación entre Ricardo Soulé y los músicos de Nexus fue transformando la admiración de sus años adolescentes en una amistad sostenida por numerosos encuentros artísticos. En 2005, Soulé aportó su violín a “Danza Mental”, del álbum de improvisaciones Buenos Aires Free Experience Volumen 2, grabado en los estudios Triada con Ana Quinteros como ingeniera de grabación.

Dos años después participó en “Madrugada”, incluida en Sobre Fantasías, de Alma, el proyecto de Roxy Truccolo y Carlos Lucena, editado por Record Runner. El vínculo con Lucena se afianzó durante la grabación de Buddy Middler, entre 2007 y 2008: ambos compartieron la producción musical, mientras Lucena estuvo a cargo de la ingeniería de audio. Fonocal publicó el disco acompañado por un DVD con imágenes de las sesiones.

Los cruces continuaron sobre los escenarios. En 2013, Carlos Lucena se ocupó del sonido y los monitores del concierto de Vox Dei en el Luna Park, y también fue invitado a tocar con Ricardo Soulé y La Bestia Emplumada. Nexus y la banda de Soulé compartieron conciertos y festivales, entre ellos “Héroes del Rock Nacional”, celebrado en mayo de 2025 en el Teatro Ópera. Acerca de esta estrecha relación, Lucena cuenta: “Desde nuestros primeros pasos, tuvimos a Vox Dei como modelo. A lo largo de esas dos décadas, la música acercó una y otra vez nuestros caminos y consolidó una amistad que dio un significado especial a la despedida. Nexus recuerda a su ídolo de la adolescencia con la misma admiración de entonces, enriquecida por los años de trabajo y afecto compartidos”.

Y concluye: “Creo que tanto Soulé como Vox Dei permitieron a muchos músicos argentinos entender que era posible intentar una carrera musical, tanto por la inspiración que ofrecía la música del trío como por la idiosincrasia de sus integrantes, que se mostraban cercanos a la movida que estaba naciendo. Ese aporte fue fundamental para la creación de innumerables bandas del rock argentino, algo en lo que coinciden muchos músicos”.

Ricardo Soulé deja un legado musical y humano de enorme valor, que lo sitúa entre las figuras más trascendentes de la música contemporánea argentina.

QEPD.

inalmente se confirmaron los detalles del nuevo álbum de Peter Gabriel, o\i, que contendrá 13 temas y será lanzado el 27 de noviembre. Ya conocemos diez de ellos, estrenados a lo largo de este año, uno en cada luna llena, por lo que solo quedan tres por descubrir. La edición en CD incluirá cuatro discos: dos con la mezcla Bright-Side y otros dos con la Dark-Side. En vinilo, cada mezcla se ofrecerá por separado en un álbum doble.

Los tres años transcurridos desde i/o representan el intervalo más breve entre álbumes de nuevas canciones de Gabriel desde Peter Gabriel III y Peter Gabriel IV (Security). A partir de entonces, los plazos entre sus trabajos se hicieron más largos, con las bandas de sonido de Birdy, Passion y Long Walk Home como proyectos intermedios. Además, o\i será el álbum de estudio más extenso de su carrera solista y el primero concebido como una obra doble, un formato que ya había explorado con Genesis en The Lamb Lies Down On Broadway.

Afirma Gabriel: “Las canciones son una mezcla de pensamientos y sentimientos. He estado pensando en el futuro y en cómo podríamos responder ante él. Nos estamos adentrando en un período de transición sin precedentes, que muy probablemente se desarrollará en tres oleadas: la inteligencia artificial, la computación cuántica y la interfaz cerebro-computadora. Los artistas tienen la función de mirar a través de la niebla y, cuando vislumbran algo, sostener un espejo.No somos, ni nunca hemos sido, los seres exclusivamente autónomos e independientes que imaginamos ser. Hemos tenido la sensación de que todo existe para nuestro beneficio —de que se nos ha dado rienda suelta en el mundo para explotarlo como mejor nos parezca.

Y continúa: “Somos algo más, parte de la naturaleza, parte de todo, y cuando sentimos esa conexión, movemos el trasero y damos y recibimos un poco de amor, eso puede ayudarnos a encontrar nuestro lugar adecuado —y a dibujar una gran sonrisa en nuestros rostros—. “Así es como veo las partes irregulares: i/o: el interior tiene una nueva salida, y o\i: el exterior tiene una nueva entrada”.

Los trece temas serán:
Been Undone
Put the Bucket Down
What Lies Ahead
Till Your Mind Is Shining
Won’t Stand Down
Who Are We Talking To? (no estrenado)
Yes, It Will Go (no estrenado)
One by One
A Hard Lesson
Face the Wall
I Belong to the Sky
Looking for the Happy
Sacrament (no estrenado)

En o\i participan sus habituales colaboradores David Rhodes en guitarras, Tony Levin en bajo y Manu Katché en batería, junto con Leo Nocentelli y Tony Berg en guitarras, Abe Rounds en batería y percusión, Tom Cawley en piano, Paolo Fresu en trompeta, Linnea Olsson en violonchelo, el multiinstrumentista Evan Smith y Melanie Gabriel en voces de apoyo. También colaboran Brian Eno, Mike Elizondo —coproductor de “A Hard Lesson”—, Richard Evans, Josh Shpak, Don E, Faye Dolle y Katie May, mientras que los aportes orquestales y corales están a cargo de la New Blood Orchestra, dirigida por John Metcalfe, el Soweto Gospel Choir y el coro masculino sueco Orphei Drängar.

El guionista argentino Nicolás Giacobone reveló en una entrevista para el diario Clarín que se encuentra actualmente trabajando junto a Peter Gabriel en una posible adaptación cinematográfica de The Lamb Lies Down On Broadway, el álbum conceptual que Genesis publicó en 1974. La obra narra la historia de Rael, un joven puertorriqueño en Nueva York, y su universo podría encontrar una nueva expresión en la pantalla grande.

Según explicó Giacobone, el principal desafío es conservar la esencia de la historia concebida por Gabriel y, al mismo tiempo, darle una forma cinematográfica que conecte con el público actual. Ese proceso ha requerido mucho tiempo de trabajo, y ambos buscan completar el tratamiento narrativo antes de avanzar hacia la elección de un director.

Aunque ya existe una lista de posibles realizadores, todavía no hay un nombre confirmado. El proyecto continúa en desarrollo y Giacobone se muestra prudente sobre su concreción, consciente de las dificultades que pueden surgir antes de que una película llegue a realizarse.

Recordemos que Gabriel siempre intentó, ya desde los ‘70, llevar al cine la historia de Rael. El antecedente más concreto fue un proyecto desarrollado junto a Alejandro Jodorowsky en 1979. De hecho su film “El Topo” influyó enormemente a Gabriel, y cuenta con una gran cantidad de similitudes de ideas con The Lamb
Lies Down on Broadway. En aquel año trabajaron varias semanas en su casa de Bath y llegaron a elaborar un guión de 49 páginas, con escasos diálogos y mucho protagonismo de imágenes y música. Pero estos planes se diluyeron cuando Charisma Films no obtuvo el financiamiento que requería la ambiciosa producción.

Habrá que esperar aún para ver si finalmente se concreta esta idea. Pero el hecho de estar trabajando junto a un ganador de un Oscar (por el guión de la película “Birdman”), hace pensar que hay serias chances de que vea la luz la surrealista historia creada por Gabriel para su obra final junto a Genesis.

ocos días atrás, el sello Esoteric Antenna editó el esperado nuevo álbum del legendario Peter Hammill, Tears in Time. La crítica internacional ha elogiado este trabajo, que llega en un momento muy especial de su extensa carrera musical, iniciada a fines de los años sesenta con el álbum debut de Van der Graaf Generator, The Aerosol Grey Machine.

Marcelo Gobello es uno de los mayores expertos de la obra de Hammill y Van der Graaf Generator. Es autor del esencial libro "Nigromantes, fareros y jardines abandonados", en el que explora tanto la carrera solista de Hammill como su trayectoria con la banda.

Hace pocos días, Gobello entrevistó a Hammill en exclusiva. La conversación ya puede leerse en el portal de La Nación.

Leé la entrevista de Marcelo Gobello a Peter Hammill

A 20 años de Living Fossils, William Gray presenta un espectáculo audiovisual que recorre la historia de su álbum debut a través de un cortometraje animado, acompañado en vivo por la interpretación de sus fragmentos musicales.

El show se completa con pasajes de Silentio, su segundo álbum, integrando música e imágenes en una experiencia narrativa y audiovisual.

CLICK AQUI PARA ADQUIRIR ENTRADAS

eter Gabriel presentó “Face The Wall” el 26 de septiembre de 2026, siguiendo la costumbre de estrenar una canción de su próximo álbum, o\i, en cada luna llena. La primera versión publicada es la Dark-Side Mix, realizada por Tchad Blake; la Bright-Side Mix, a cargo de Mark “Spike” Stent, está prevista para el 10 de octubre. La canción nació de una reflexión sobre el paso del tiempo, la enfermedad y la muerte. Gabriel plantea que mirar de frente la propia mortalidad puede ayudar a vivir con mayor plenitud. A medida que avanza el tema, la situación que describe se vuelve más intensa, pero el cierre deja abierta una posibilidad de esperanza. Es una pieza íntima y sombría, con ese impulso hacia la luz que aparece en buena parte de su obra.

Cuenta Gabriel acerca de la nueva pieza: “Después del mes pasado, en el que estábamos ‘buscando la felicidad’, podemos seguir esa línea hasta llegar a ‘Face The Wall’, que consiste en mirar directamente a la muerte a los ojos. Un tema muy bonito y alegre”, afirma irónicamente.

“La letra trata, en parte, sobre el envejecimiento, enfrentar la enfermedad y mirar a la muerte a los ojos, algo que creo que no hacemos lo suficiente. Sé que ya he hablado de esto antes, pero las culturas que parecen incluir la muerte como una parte normal de la vida parecen sentirse más cómodas con ella y viven la vida al máximo. Ese fue el punto de partida”.

“La música es un proceso catártico para muchos de nosotros, y cuando canto al final, ‘Te veo llegar’, ese es un momento catártico. Creo que esa es una frase importante; las condiciones se van empeorando y se vuelven más intensas a medida que avanza la canción, pero esa letra sugiere que hay una razón para tener esperanza.

“Cuando estás en el estudio, nunca sabes con certeza si la canción va a ser un vehículo capaz de conmover a la gente o no. Sé que esto va a llegar a algunas personas”.

La imagen elegida para el single expande esa idea. Se trata de The Nest, una instalación del artista japonés Tadashi Kawamata en la que un conjunto de sillas parece desbordar un muro. Para Gabriel, la solidez de esa pared evoca la muerte, mientras que las sillas que la sobrepasan sugieren resistencia y esperanza incluso ante un límite aparentemente infranqueable.

Pueden escuchar el tema en nuestro playlist de Discover

ushlight es un nuevo proyecto argentino dedicado a recrear en vivo la música de Rush. Su propuesta recorre distintas etapas del trío canadiense formado por Geddy Lee, Alex Lifeson y Neil Peart: desde las extensas composiciones progresivas de los años setenta hasta las canciones en las que los sintetizadores adquirieron un papel central durante las décadas siguientes.

La banda está formada por músicos de un enorme talento y una trayectoria importantísima en el ambiente de la música argentina del rock progresivo y la fusión. Ellos son:

Lalo Calello
Bajo, sintetizadores, pedales de bajo, secuenciadores & coros
Músico multinstrumentista con sólida formación en el ámbito del rock progresivo y la música fusión. En Rushlight asume el rol de recrear el sonido y la versatilidad de Geddy Lee. Ejecuta simultáneamente las líneas de bajo, las capas de sintetizadores y el control de pedales Moog Taurus, logrando el icónico sonido "Power Trio".

Alex Chaneton
Guitarras, pedales de bajo & secuenciadores
Guitarrista, compositor y docente de reconocida trayectoria en el circuito prog argentino (fundador y líder del proyecto Chaneton). Cuenta con varios discos editados a nivel internacional y una extensa carrera en los principales escenarios del género. En Rushlight es esponsable de reproducir el tono característico, los solos expresivos y las estructuras armónicas de Alex Lifeson, utilizando arreglos de guitarras de 6 y 12 cuerdas con precisión técnica y sensibilidad melódica.

Nico Jourdain
Batería & percusión acústica / electrónica
Baterista profesional de sesión, versado en géneros de alta exigencia técnica como el rock progresivo, el jazz fusión y el metal técnico. En Rushlight enfrenta el desafío de interpretar la obra del legendario Neil Peart. Al mando de un set desplegable de percusión acústica y pad electrónicos, replica las métricas complejas, los solos estructurados y los detalles característicos de cada época de la banda.

Lara Goi
Voz principal
Cantante profesional con entrenamiento vocal de alto rendimiento y sólida experiencia en el rock, destacada por su rango vocal extendido y potencia escénica. En Rushlight aporta la voz líder con el rango expresivo y agudo necesario para abordar el exigente repertorio de Rush, sumando matices orgánicos y dinamismo escénico que elevan la propuesta en vivo.

El repertorio reúne canciones como “Tom Sawyer”, “Limelight”, “Subdivisions”, “The Spirit Of Radio” y “Marathon”, junto con “Between The Wheels”, “Mission” y “Manhattan Project”. También incluye instrumentales como “La Villa Strangiato” y “Yyz”, además de fragmentos de “2112”: un recorrido que exige tanto precisión instrumental como sensibilidad para reflejar los distintos climas de la obra de Rush.

Afirma la banda “Rush no es solo una banda de rock; es una religión técnica y emocional para sus fans. Nuestro compromiso con Rushlight es entregar un show honesto, impecable y potente que respete cada nota y cada arreglo como la obra maestra que es."

Con una puesta en escena concebida para acompañar esa amplitud musical, Rushlight busca ofrecer un espectáculo que conecte la complejidad de las composiciones con la emoción que despiertan entre sus seguidores. El grupo se presenta como una propuesta disponible para festivales, teatros y salas de música en vivo de Argentina, Brasil y otros países de Sudamérica.

Canal Oficial de YouTube: @Rushlightar
Redes Sociales: @rushlight.ar
Email: rushlightar@gmail.com
Facebook: Rushlight

La banda se presentará el 2 de noviembre en el Café Berlín, con entradas a la venta por Livepass, en este link

asi medio siglo después, una serie de cintas de carrete abierto encontradas en el ático del fallecido Robin Lumley permitió recuperar uno de los períodos más celebrados de Brand X. El resultado es Theory Of Nothing, un álbum doble que documenta la gira norteamericana realizada por la banda durante el otoño de 1977, cuando su extraordinaria combinación de jazz-rock, virtuosismo instrumental e improvisación se encontraba en uno de sus puntos más altos.

Hasta ahora, buena parte del material en vivo perteneciente a aquella gira solamente podía escucharse a través de grabaciones piratas, emisiones de FM deficientemente producidas —como las publicadas bajo el nombre Squared— o recopilaciones editadas durante la década de 1990, muchas de ellas actualmente descatalogadas. Además de ofrecer una calidad irregular, ninguna de aquellas ediciones generó ingresos para los músicos. Theory Of Nothing presenta finalmente una experiencia en vivo completa y oficialmente autorizada, construida a partir de las cintas pertenecientes al archivo personal de Robin Lumley. El entonces responsable de gira, Pete Donovan, recuerda esta etapa como una de las más felices dentro de la breve pero intensa trayectoria de la banda durante los años setenta.

Las grabaciones, realizadas originalmente en estéreo y posiblemente destinadas a una transmisión radiofónica, fueron restauradas cuidadosamente y remasterizadas por el bajista Percy Jones. La formación reunía a John Goodsall en guitarra, Percy Jones en bajo, Robin Lumley en teclados, Morris Pert en percusión y Kenwood Dennard en batería.

El repertorio incluye composiciones de sus primeros discos y tres temas que aparecerían un año más tarde en Masques, aquí interpretadas en versiones preliminares y con arreglos diferentes. También se conservaron los comentarios de los músicos entre los temas, un detalle que ayuda a reconstruir el ambiente original de aquellas actuaciones.

Formado en Londres a mediados de los años setenta, Brand X fue uno de los grupos fundamentales del jazz-rock británico. Su álbum debut, Unorthodox Behaviour, publicado en 1976, presentó una música de gran precisión técnica, pero también cargada de imaginación, humor y libertad improvisatoria. Aunque la presencia inicial de Phil Collins en batería contribuyó a darle una mayor visibilidad, la identidad del grupo estuvo definida principalmente por el bajo fretless de Percy Jones, la guitarra de John Goodsall y los teclados de Robin Lumley, junto con las participaciones de músicos como Morris Pert, Kenwood Dennard y Chuck Burgi. Con discos como Moroccan Roll, Livestock y Masques, la banda estableció un puente particular entre el rock progresivo, el jazz eléctrico y la fusión, desarrollando un lenguaje propio que la convirtió en una referencia esencial del género.

Editado en colaboración con MoonJune Records, Theory Of Nothing es además el primer álbum en vivo de Brand X cuya propiedad pertenece íntegramente a los legítimos titulares de la obra. Los ingresos serán destinados a Percy Jones y a los herederos de John Goodsall y Robin Lumley. La edición también rinde homenaje a la época en que los diseños de Hipgnosis convertían la apertura de un disco, sus fotografías y su arte gráfico en el comienzo de toda una experiencia. Este lanzamiento será el primero de una nueva serie dedicada a recuperar material de archivo excepcional de Brand X.

CD 1
1 “Smacks Of Euphoric Hysteria”
2 “Disco Suicide”
3 “Access To Data”
4 “Why Should I Lend You Mine When You’ve Broken Yours Off Already?”
5 “Euthanasia Waltz”

CD 2
1 “Malaga Virgen”
2 “Earth Dance”
3 “Deadly Nightshade”
4 “Nuclear Bum”
5 “Nightmare Patrol”

Click aquí para adquirir el disco

ntes de alcanzar una tremenda -y aún vigente- repercusión internacional con The Original Soundtrack y “I’m Not In Love”, 10cc ya había construido una identidad inconfundible a través de sus dos primeros álbumes. 10cc, publicado en julio de 1973, y Sheet Music, editado en mayo de 1974, mostraron a un cuarteto capaz de reunir en una misma canción el pop más melódico, arreglos vocales cercanos a The Beach Boys, estructuras propias del rock progresivo, humor británico, sátira social y una extraordinaria imaginación dentro del estudio.

Esa etapa inicial será recuperada el 20 de noviembre de 2026 por Grapefruit Records, sello perteneciente a Cherry Red, mediante The Stockport Shuffle – Complete UK Label Anthology 1972–1974. La edición presenta seis CD y un Blu-ray dedicados a los años en que Eric Stewart, Graham Gouldman, Kevin Godley y Lol Creme grabaron para UK Records, trabajando desde su propio Strawberry Studios de Stockport. No se trata solamente de una reedición ampliada de aquellos dos discos, sino de una reconstrucción exhaustiva de su proceso creativo, con mezclas alternativas, tomas de sesión, ensayos, descartes, grabaciones para la BBC y material audiovisual.

La nueva antología organiza este período de manera cronológica y, al mismo tiempo, permite ingresar en el interior de las grabaciones:

• CD 1: nueva remasterización de 10cc, acompañada por versiones de singles británicos y estadounidenses, lados B y otras variantes de “Donna”, “Johnny, Don’t Do It!”, “Rubber Bullets”, “The Dean And I” y “Headline Hustler”.

• CD 2: nueva remasterización de Sheet Music, junto con singles, rarezas en vinilo, ediciones promocionales y versiones alternativas de “The Worst Band In The World”, “The Wall Street Shuffle”, “Hotel” y “Silly Love”.

• CD 3: grabaciones procedentes de discos de transcripción de la BBC realizados entre 1972 y 1974, además de mezclas mono preparadas por Eric Stewart para radio y televisión, un single editado bajo el nombre Festival y material promocional del primer álbum.

  CD 4: extended masters de numerosas canciones de ambos discos. Estas versiones permiten escuchar segmentos más extensos de las cintas maestras y elementos que fueron reducidos o eliminados de las ediciones originales.

• CD 5: sesiones correspondientes al álbum 10cc, con tomas iniciales, ensayos, mezclas instrumentales, fragmentos vocales, diálogos de estudio y arreglos posteriormente descartados. Entre los documentos más interesantes aparecen distintas etapas de “Donna”, “Rubber Bullets”, “Waterfall” y “Fresh Air For My Mama”.

• CD 6: sesiones de Sheet Music, incluyendo una versión alternativa de “Baron Samedi”, ensayos de “The Worst Band In The World”, un demo de “Oh Effendi” cantado por Eric Stewart, pistas instrumentales y vocales aisladas, y diferentes tomas de “Clockwork Creep”, “Silly Love” y “The Sacro-Iliac”.

El Blu-ray ofrece doce actuaciones filmadas. Entre ellas se incluyen “Rubber Bullets” en Top Of The Pops, emitida el 25 de diciembre de 1973; “The Dean And I”, filmada en Strawberry Studios; “Old Wild Men” para The Old Grey Whistle Test; dos canciones del programa See You Sunday y un concierto de la BBC2 emitido en agosto de 1974.

También incorpora mezclas Dolby Atmos de 26 canciones y versiones, abarcando buena parte de los dos álbumes y varias piezas adicionales. Figuran “Donna”, “Rubber Bullets”, “The Dean And I”, “The Wall Street Shuffle”, “Old Wild Men”, “Somewhere In Hollywood”, “Silly Love” y “Gismo My Way”, además de versiones iniciales de “Headline Hustler” y “Baron Samedi”.

La presentación se completa con un libro de 40 páginas que reúne fotografías inéditas, declaraciones de los integrantes y un nuevo ensayo de aproximadamente 7.000 palabras dedicado a los años de 10cc en UK Records.

The Stockport Shuffle documenta el momento en que cuatro músicos experimentados dejaron de trabajar principalmente para otros y descubrieron que, juntos, podían construir uno de los sonidos más originales del pop británico. Entre 1972 y 1974, 10cc pasó de la sorpresa comercial de “Donna” a la madurez de Sheet Music, preparando el terreno para The Original Soundtrack y “I’m Not In Love”.



Pero aquellos dos primeros discos no deberían considerarse únicamente como ensayos previos a su consagración. 10cc y Sheet Music ya contienen todos los elementos que hicieron único al cuarteto: melodías memorables, armonías vocales extraordinarias, humor inteligente, virtuosismo sin exhibicionismo y una manera casi cinematográfica de utilizar el estudio. La nueva caja permite escuchar esa evolución con un grado de detalle inédito y confirma que, antes de convertirse en estrellas internacionales, 10cc ya había creado en Stockport un pequeño universo musical propio.

uivira es un nuevo proyecto de rock progresivo con base en Topeka, Kansas, que acaba de publicar su álbum debut, lanzado el 4 de septiembre de 2026 a través de la página de Bandcamp de grupo, con una edición mundial disponible a partir de fines de noviembre.

Pueden oír el excelente álbum en este link.

El grupo está integrado por músicos con una interesante trayectoria dentro del género: Lisa LaRue (RematriNation, 2KX), responsable de composición, teclados y programación; John Baker (Forever Twelve, Mars Hollow), en guitarras, bajo y voces; y Jake Livgren (Emerald City Council, Proto-Kaw), como vocalista.
La banda describe su estilo musical de esta manera: “El sonido de Quivira se sitúa en el punto de encuentro entre la amplitud del rock progresivo instrumental y el rock progresivo melódico con voces. Compases complejos, exuberantes capas de teclados y evocadoras texturas de guitarra se combinan con una narrativa lírica. Cada tema invita al oyente a emprender una exploración sonora en la que la electrónica y la instrumentación orgánica conviven naturalmente”.

El nombre Quivira proviene de la legendaria “ciudad de oro” que los exploradores españoles buscaron durante el siglo XVI. La expedición encabezada por Francisco Vázquez de Coronado creía que Quivira se encontraba en la región que actualmente forma parte de Kansas. Para la banda, sin embargo, el nombre trasciende la búsqueda de un tesoro perdido y simboliza una permanente exploración creativa, en la que se entremezclan historia, mito y una mirada contemporánea.

Precisamente, este primer álbum está construido alrededor de la historia de aquella Quivira anterior a la existencia del estado de Kansas, sus poblaciones indígenas y la llegada de la expedición de Coronado, convencida de que encontraría grandes riquezas. El concepto se desarrolla también alrededor de la incomunicación y los malentendidos entre diferentes culturas, estableciendo finalmente un paralelismo con situaciones que continúan produciéndose en nuestra sociedad actual.

El álbum cuenta además con dos invitados especialmente interesantes: Joe Deninzon, actual violinista de Kansas, participa en el tema 5, mientras que Evan Stanley, hijo de Paul Stanley de Kiss y miembro del proyecto Stanley Simmons, aporta guitarra en el tema 9. La intención de los músicos es que la sincronía entre ellos y la historia sea uno de los elementos fundamentales del disco, convirtiendo a Quivira en una obra conceptual donde la aventura histórica funciona también como reflexión acerca de problemas que, varios siglos después, todavía permanecen vigentes.